2012年，因為一次流產的經歷，藝術家安妮·莫裏斯（Annie Morris）將「堆疊」（Stacks）系列從平面轉為立體。不規則的球體指代卵子，也象征懷孕時隆起的肚子 ，內芯由泡沫、灰泥和沙子等材料混合而成，有時會用青銅澆灌；表層附著石膏，透過鋼制支架向上托起，層層疊疊、宛若立柱——藝術家稱之為「「紀念碑式」的作品」 。
就像藝術史學者巫鴻在【中國古代藝術與建築中的紀念碑性】中所言，無論形狀和質地如何，紀念碑總要承擔保存記憶、構造歷史的功能，使某位人物、某個事件或某種制度不朽；總要鞏固某種社會關系或某個共同體的紐帶，甚至是實作生者與死者的交流，或是現在和未來的聯系。
這也是Morris的意圖：「我想捕捉從擁有到失去的那個瞬間。」
安妮·莫裏斯 1978 年生於倫敦，目前生活與工作於倫敦。她曾在巴黎國立高等美術學院師從朱塞佩·佩諾內(Giuseppe Penone ，1997-2001)，2003 年畢業於倫敦斯萊德美術學院。
2021 年，莫裏斯在約克郡雕塑公園的韋斯頓藝廊舉辦了其首個美術館展覽。2023 年受德赫普沃斯美術館邀請，莫裏斯為西約克郡歷史中心創作了一件永久性委任裝置作品。2024 年，莫裏斯與伊德裏斯·汗(Idris Khan)的雙人展從佩特沃斯的紐蘭茲豪斯藝廊(Newlands House Gallery)巡回至倫敦的皮特贊格莊園藝廊(Pitzhanger Manor & Gallery)。莫裏斯的作品被路易威登基金會(巴黎)、愛茉莉太平洋藝術博 物館(首爾)和克利翁酒店(巴黎)等收藏。2021 年，莫裏斯為倫敦克拉利奇酒店 (Claridge's Hotel)推出的「ThePainter'sRoom 畫室」創作了一幅場域特定的彩色玻璃作品。
Annie Morris ©Annie Morris. Photo: Idris Khan
「一線之望「展覽現場 二樓展廳
©上海復星藝術中心
「堆疊」系列中有一件作品高達5.3米，也是藝術家迄今為止尺幅最大的作品——牛血紅、赭石黑、薰衣草紫、湖藍，明亮而濃烈的色調相互交織，表層堆砌的顏料形成了粗糲的肌理，看上去尚未完全幹透，仿佛藝術家始終「在場」，既柔軟又強烈、既輕盈又堅硬。
Morris 對 BAZAAR ART 中文版 說，這是她「刻意而為之」，為了讓觀者看到顏料的質感和體積，從而凸顯色彩的功能。
「一線之望「展覽現場 二樓展廳
©上海復星藝術中心
在巴黎高等美術學院求學時，Morris師從意大利貧窮藝術家代表吉塞普·佩諾內（ Giuseppe Penone）。
Giuseppe Penone 的創作圍繞樹展開，在他手中，樹不僅是原材料，更是飽含生命力的有機體。藝術家既能靈活地運用它，也可以削減其自身的內容。在這一點上，Morris的做法有異曲同工之妙。
在她看來，即使色彩可以制造視覺沖擊力，這也並非它的唯一特質。「色彩不應該只停留在「表面」。 」為了讓色彩變得更加真實可感，Morris在上學時嘗試了很多方法，比如用堅硬的沙子和石膏讓顏料立體起來，「堆疊」系列可以說是她多年來「色彩實踐」的結果。
Morris自幼對色彩感知敏銳，盡管在這個數碼化時代，所有的色彩都可以被測算成一段程式碼，Morris依然相信它與人之間的聯結——色彩是詩意、感性且充滿力量的 ，能夠全方位調動感官系統，今天也鮮少有藝術家能像她一樣對色彩理解得如此透徹，也沒有人能像她一樣對顏料的形態有如此豐富的表達，一切都源自她的切身感受。
「我們一定會因為某件具體的事，對某種色彩產生別樣的體會。」她解釋，「或許是母親穿了一件紅色的衣服，又或許是你兒時房間的粉色墻壁。」
準確地說，這是一種潛意識，Morris巧妙地將其融入了作品中。「堆疊」系列的球體大小不一、搖搖欲墜，透露出對死亡的恐懼，不穩定性對映出人類共通的脆弱，這是它悲觀的一面；而球體的色彩卻是躍動的，寄托了對新生命的期冀，洋溢著樂觀氛圍。
兩種對立的情緒相互對抗後聚合，展現了她失去孩子時內心的復雜與矛盾。「但隨著時間的流逝，它的意義也發生了改變，更像是我人生的見證，我也不希望它傳達的訊息是單一的。」
因此，Morris沒有嚴格定義「堆疊」系列的類別和流派，它兼具繪畫和雕塑的雙重性質，球體的表層像是畫布；輪廓看似簡約，卻不是嚴格意義上僅強調「物性」（objecthood）的極簡主義。
一層戶外雕塑中心 ©上海復星藝術中心
在創作的過程中，幾乎每一位藝術家都會從微小的個體經驗切入，接著從中提煉出普世價值——這是必經之路，卻也容易讓作品變得刻板。相較之下，Morris的語言是細膩而婉轉的。
對她而言，如果色彩是承載情感的媒介，那麽「重復」則是核心手段 ，透過反復堆疊球體，她慢慢地找到了自己的敘事節奏。
Annie Morris ©Annie Morris. Photo: Idris Khan
「我創作時很隨性，不會遵循所謂的邏輯，而是根據顏色來做判斷——我是不是該停手了？還是要繼續講述？」Morris從不會先入為主，而是盡可能地為觀者留下想象空間：那些彩色的球體，可以指向我們生命中熠熠生輝的時刻，也可以勾起一段掙紮的回憶。
Morris也將同樣的手法運用到了「花女」（Flower Women）系列中。這是她創作多年的意象：「花女」的面部為花朵，簡筆描畫的身體呈現出明顯的女性特征 ，線條的顏色明亮、扭轉激烈，粗細分配並不規律，當所有的表情都被抹去，她的情感透過Morris靈動的筆法宣泄。
「花朵的壽命短暫，往往綻放後就會發生變化，這又何嘗不是一種隱喻？」從女性視角來看，就像Morris所經歷的那樣，從女孩、妻子成長為母親，在社會中明確自己的藝術家角色，女性的身份是流動的；而站在更廣闊的維度上，Morris說：「生命中的很多事都是暫時的。 」
安妮·莫裏斯
【花朵顏料，群青藍】
2018
©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯
【人物，工作室深綠松石】
2023 ©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯
【花朵女人，鎘紅】
2023 ©安妮·莫裏斯工作室
實際上，她早在10年前就開始構思「花女」的形象。
「最初是我父母的樣子。」她回憶道，小時候父母經常發生沖突，原生家庭的「暴力行為」刻在了她的腦海裏，繼而進入作品中。「但隨著年齡的增長，曾經的痛苦消解了，「花女」逐漸演變成我自己的肖像 。這種持續探索的過程並不單調，反而可以看到自己的變化。」
安妮·莫裏斯【人物，鎘紅】，2023
©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯【人物，鈷綠松石和銀色】，2021
©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯【人物，淡鈷藍色】，2023
©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯【人物，鈷綠松石和紫羅蘭色】，2023
©安妮·莫裏斯工作室
盡管與「堆疊」系列的視覺特征截然不同，二者之間的共性卻是顯而易見的。形式上，Morris將「花女」從平面畫布拓展至了三維空間中，用鋼材將其制成人形等比例雕塑，和堆疊的球體一樣被賦予了紀念碑性。
「一線之望」展覽現場 三樓展廳
©上海復星藝術中心
安妮·莫裏斯【工作室人物】，2012 ©安妮·莫裏斯工作室
2022年起，她又創作了一系列介於具象與抽象之間的畫作，「花女」的形象在其中一點點被解構：在【無題（人物，鎘紅色）】中，肆意塗抹的紅色塊面四周布滿黑色線條 ，「花女」幾乎無法辨識，令人聯想起抽象表現主義藝術家Willem De Konning的作品。
安妮·莫裏斯
【無題（人物，鎘紅色） 】
2023
©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯
【無題（人物，鎘紅色）】
2023 ©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯
【無題（人物，鎘紅色） 】
2024 ©安妮·莫裏斯工作室
【紅色之路】則更加激進，群青藍、草綠、檸檬黃和鎘紅色的幾何形狀錯落並置，狂放的筆法展現出現代人被壓抑的原始性，她又一次完成了對個體情感和集體生存狀態的探討。
安妮·莫裏斯【紅色之路】，2022 ©安妮·莫裏斯工作室
走上展廳的二層，墻面被Morris創作的特定場域壁畫包裹，掛毯和各類裝置穿插其間。「我喜歡這樣的策劃，可以讓此前並不熟悉我的人，看到我的多面性。」Morris告訴 BAZAAR ART ，她去年5月就來探訪過這個空間——用她的話來說，這是「一處極具野心的場地」。
「畫素描是我從小記錄日常的方式，所以把展廳構想成了「素描本」。 」趨於意識流的畫作代表她靈感迸發的瞬間。「觀者就像是走進了某個人的大腦中，和他一起踏上了一場旅程。」
安妮·莫裏斯
【椅子，錳紫色】
2024 ©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯
【晚間作畫】
2019
©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯
【晚間人物】
2021
©安妮·莫裏斯工作室
「一線之望」展覽現場 二樓展廳
©上海復星藝術中心
其中，掛毯是Morris早年間的代表作之一，又被稱作「線畫」（thread painting）。她將線縫合在布料表面，創造出用粉彩和炭筆描繪的效果。「我花了很多時間制作「線畫」，縫紉的過程讓我更加專註於作品的細節，比如顏色如何搭配、線條該怎麽分布。」
安妮·莫裏斯【紫月】，2023 ©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯【格中格】，2024
©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯【網格37，群青藍】，2023 ©安妮·莫裏斯工作室
「花女」雕塑則立於地面，與壁畫相呼應，共同勾勒出Morris的創作歷程。從壁畫、掛毯到立體的裝置，我們可以清晰地感知到線條和人物形態的變化，從緊張到松弛、從嚴謹到自由、從痛苦到浪漫。
「他們是和我一起成長的。」
安妮·莫裏斯【月亮與女人】，2021 ©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯【如果你可以是任何人】，2022 ©安妮·莫裏斯工作室
也正因如此，Morris的作品被打上了女性主義的標簽，時至今日，這種標簽很大程度上變成了刻板印象。同濟大學人文學院教授張念曾說，女性主義理論可以作為一種方法論提供給創作者，而非一種政治立場或意識形態 ——論及這一點，Morris的態度不偏不倚，她並非絕對的、激進的女性主義者。
「我正在經歷幾乎所有女性都會經歷的事，我的作品也都圍繞它們展開，女性身份早已內化其中。」這也是Morris的藝術能夠觸動人心的原因，她從未利用女性標簽去獲得關註，也沒有試圖消滅自己身上的性別以反抗父權幽靈——無論是「堆疊」還是「花女」，都是情感和欲望的自然流露。
安妮·莫裏斯【無題（人物，工作室綠松石色）】，2023 ©安妮·莫裏斯工作室
安妮·莫裏斯【無題（人物，群青色）】，2024 ©安妮·莫裏斯工作室
采訪快要結束時，BAZAAR ART
與Morris談起新的創作計劃。
「接下來我會搬去倫敦的新工作室，回歸顏料畫（pigment painting），嘗試運用新的工藝，再舉辦一場新作展覽。」她滿懷期待地說。
如果說生命是一串影像的集合，有太多難以處理和記憶的內容，那麽這些瘋狂的線條和色彩，就是Morris生命的一部份 ，這也是她的期望，即「用繪畫來表達生命中的難以名狀」。
如今，她的作品不再是療愈的手段或宣泄悲傷的工具，而是創造力和探索精神的證明 ——那些生命中無法獲得的、永不復返的人或物，都被轉化成了積極的力量。
「這一次來上海，我也想好好探索這座城市，如果有機會，還想去北京看一看古建築，或許會對接下來的創作有所啟發。」Morris說。
安妮·莫裏斯【藍色風景】，2019 ©安妮·莫裏斯工作室
展覽資訊
2024年3月23日至6月2日，英國藝術家Annie Morris在中國的首次個展【一線之望】（Hope From A Thin Line）於上海復興藝術中心開幕，展出Morris從2012年創作至今的繪畫、掛毯和雕塑等作品。在色彩與線條的交織中，藝術家將個體的生命體驗娓娓道來，並拓寬至廣闊的集體敘事中。
文中圖片由安妮·莫裏斯工作室和復星藝術中心提供
出品
芭莎文化藝術部
Green Bazaar Lab
總編輯：沙小荔
出品人：董雲燕｜監制：徐寧
編輯：Guannan Liu｜撰文：蔡雨彤
設計：張曉晨｜ 編輯助理：肖瑤
合作
